BIENVENUE DESIGN EXHIBITORS

Le studio basé à Amsterdam, Atelier Constant, lance Egelantier, une collection d'objets d'art fonctionnels exprimant une matérialité juxtaposée et des géométries organiques.

Octobre 2021--Atelier Constant, basé à Amsterdam, lance Egelantier, sa première collection de six pièces, une table basse, une lampe de table, un porte-manteau, un meuble bas, un siège et une étagère qui démontrent l'affinité du studio pour la qualité, la sobriété et l'expression élégante des formes organiques.

Le jeune duo de designers prometteurs - formé par la Néerlandaise Nina Constant et le Français Pierre Constant - cherche à exprimer l'art par le biais d'objets domestiques, en utilisant une approche du design qui respecte l'héritage et la pratique de l'artisanat français et néerlandais de l'entre-deux-guerres. Le principe de base d'Egelantier, qui tire son nom de leur adresse à Amsterdam, est la retenue dans la matérialité, qui se traduit par l'utilisation de quatre matériaux purs : bois d'orme, aluminium brossé, laine non traitée et contreplaqué cintré.

Une interaction étroite avec les artisans locaux est essentielle au processus de l'Atelier Constant. Le studio utilise l'expérience et les connaissances des artisans pour avoir un impact immédiat sur le résultat du design. Les techniques authentiques, telles que le bookmatching, sont combinées avec soin au pliage 3D pour créer des pièces sculpturales contemporaines qui honorent l'artisanat et transcendent les pratiques traditionnelles. Le choix de l'Atelier Constant d'éviter l'ornementation et de privilégier la limitation de la matérialité est un hommage clair aux autorités du design du milieu du siècle dernier, tout en concevant un langage visuel qui leur est propre : des proportions ludiques et un mélange audacieux de l'organique et du géométrique. Avec Egelantier, Constant s'efforce de créer une nouvelle vision d'un design authentique, raffiné et contemporain qui vit fondamentalement dans le présent - en déployant cette éthique pour définir la conception de chaque pièce.

La première pièce d'Egelantier, dont la sortie est prévue début décembre 2021, est la " Table sur Pied ", une table basse, qui sera suivie d'une lampe de table, d'un porte-manteau, d'un meuble bas, d'un meuble à deux places et d'une étagère qui feront leur apparition pendant le reste de l'année et en 2022.

La " Table sur Pied " (195 x 89 x 36cm) est découpée dans une seule planche d'orme. Sa composition irrégulière reflète le motif unique du bois et est mise en valeur par une technique d'assemblage de livres. Quatre pieds circulaires en aluminium sont placés en décalage les uns par rapport aux autres pour donner à l'orme le sol stable dont il a besoin. L'orme utilisé provient de la frontière germano-néerlandaise et est coupé pour éviter l'extinction de l'arbre. La production, tant l'assemblage de la table que la finition de l'aluminium, a lieu dans différents villages des Pays-Bas. Travailler à proximité des artisans et de la provenance des marchandises est essentiel pour l'approche sculpturale du duo qui répond au caractère du matériau d'enseignement : Cela garantit un niveau de qualité extraordinaire pour la pièce finie.

atelierconstant.eu

AAMA
C’est une histoire d’amitié, de plaisir et de rencontre ! 2 amis de collège passionnés de design qui, au confinement de 2020, se mettent à imaginer un mobilier différent et joyeux pour leurs maisons, en mettant à profit leurs compétences dans la conception de produits, le design et l'ingénierie. S’ensuivent des rencontres avec des artisans français passionnés, avec qui, ils créent leur premier objet : Ciluzio !

CILUZIO PAR AAMA DESIGN
Inspiré tant par les créations d’Ettore Sottsass et du groupe Memphis, que par les compositions colorées de Sol Lewitt, Sonia Delaunay, ou encore Piet Mondrian, AAMA Design a créé CILUZIO : un luminaire aux formes essentielles, à la fois pures et douces, sublimées par des associations de couleurs uniques, composables et re-composables à l’infini. Ce système breveté d’assemblage de cylindres et de plateaux colorés permet de créer des compositions singulières en fonction des goûts et des besoins de chacun.

https://aamadesign.fr/

Avec son agence Crosby Studio, le designer et architecte Harry Nuriev va produire une série de mobiliers et s'emparer de la chambre 36 pour un global set design. Ce sera la première chambre de cet hôtel mythique à être complètement recomposée, proposant aux résidents une lecture très personnelle de ce lieu historique qui fut le refuge bohème de bien des artistes.

Rompu aux technologies de l’imagerie 3D, Nuriev qui s’est très tôt intéressé à la réalité augmentée et aux NFT, va prolonger son projet en composant une Louisiane entièrement virtuelle.
Une oeuvre contextuelle et contemporaine que ce jeune prodige mène depuis plusieurs années dans ses realisations pour Balenciaga ou pour la foire Design Miami/Basel et qui'l poursuit ici, dans un dialogue entre l'essence de l'hôtel et son univers pixellisé.

https://crosbystudios.com/

Le curateur Alexandre Stipanovich (pour Firmament Studio) a imaginé Midnight Fruits, un nightclub à l'intérieur d'une galerie, en hommage au monde de la nuit disparu suite a la pandémie. Partie intégrante de cette boite de nuit éphémère, le sofa de Rafael de Càrdenas "Happy Valley" s'inspire de l'énergie et de l'esthetique de la scène new yorkaise des années 80. C'est un sofa modulaire imaginé pour accueillir des conversations chaotiques et improvisées.

Depuis qu'il a fondé son cabinet multidisciplinaire, il y a près de dix ans, le designer et architecte new-yorkais Rafael de Cardenas a reçu de nombreux prix et a fait l'objet d'une monographie publiée par Rizzoli en 2017. Ses projets pour des clients tels que Nike, Kenzo, Baccarat, Glossier, Cartier et Nordstrom - ainsi que pour de nombreux particuliers - s'étendent aux États-Unis, en Europe et en Asie. Connu pour ses conceptions audacieuses, géométriques et luxueuses, Cardenas a commencé sa carrière dans la mode, travaillant pour Calvin Klein avant de passer au design de production et de fonder Architecture at Large en 2006. Il a fait l'objet d'innombrables publications, du New York Times à Vogue, et sa passion pour les boîtes de nuit et la vie nocturne est à l'origine de sa contribution à la production de mobilier Midnight Fruits.

Marché Paul Bert
Allée 6 Stand 93
Mobilier
XXe siècle
+33(0)6 50 69 63 89

La galerie Pradier-Jeauneau présente à la Louisiane La Chambre de l'écrivain nomade. Sans attache, il vit de chambres d’hôtel en chambres d’hôtel à travers le monde, où il dresse une tente, mi-berbère mi-romaine. Un monde s'y déploie : fauteuils, bureau, et lit de jour où les souvenirs se mêlent aux promesses. Du sol au plafond, la tente sera en velours fushia, couleur vibrante et urbaine. L'installation monumentale vient faire oublier la chambre d'hôtel. A l'image de ce qu'a offert La Louisiane à ses pensionnaires illustres, notre écrivain nomade est ici chez lui :
un bivouac rempli de son imaginaire pointu, queer et irrévérencieux. Pour cette première participation, Aurélien Jeauneau et Jeremy Pradier-Jeauneau font appel à leur partenaire Vincent Thévenon de la Maison Thévenon. A eux trois, ils ont inventé une couleur "Louisiane", flamboyante et hors-temps.
Aurélien Jeauneau et Jeremy Pradier-Jeauneau défendent les designers français du XXe. Le binôme s’est rencontré à l’Institut National d’Histoire de l’Art en 2007, et continue ses recherches sur les arts décoratifs de la Reconstruction française à nos jours.
Avec de nombreuses expositions thématiques à son actif et des collaborations prestigieuses, la galerie Pradier-Jeauneau développe une expertise autour d’un mobilier d’exception, entre collection, décoration, littérature et cinéma

https://www.paulbert-serpette.com/antiquaires/aurelien-jeauneau-0

Diplômée de l’École Nationale des Arts Décoratifs de Paris en photographie, Johanna de Clisson commence très tôt à mettre ses compétences au service des marques en fondant Simone, son agence de communication. Prise dans un tourbillon d’images et de projets, elle laisse de côté son premier amour qu’est la pratique artistique libre. En 2020, elle y revient et lance Hiromi. Hiromi, c’est une respiration que Johanna consacre au savoir-faire. Dans son atelier, elle façonne à la main des sculptures en céramique, bercée par ses inspirations. Les architectes Tadao Ando, Niemeyer, Corbusier ; les designers Vico Magistretti ou Alvar Aalto animent son geste. Ses dessins et recherches sont en quête de formes simples et archétypales. La précision de sa main, son goût du détail et sa liberté produisent des objets hybrides à adopter sans envies prédéfinies. Elle oscille constamment entre art et design, fonctionnel et décoratif.

Hiromi est un laboratoire où aucune recherche ni expérience ne sont mises de côté. Hiromi tend à collaborer et à échanger. À mélanger son ADN avec d’autres savoir-faire ou d’autres visions. Hiromi est un nouveau chapitre que Johanna dédie à l’exploration, aujourd’hui de la terre mais sans se définir comme céramiste. Explorer la matière, avancer à son rythme et sans dessein sont autant de raisons d’être d’Hiromi, la fabrique singulière de Johanna de Clisson.

https://www.hiromi-objets.com/

homaar@homaar.com
+33 (0)6 12 39 35 97

Homaar est un producteur d’oeuvres d’art en édition limitée en collaboration avec des artistes qui marquent la scène contemporaine.

Après avoir collaboré avec Mohamed Bourouissa ou Clément Cogitore, Jérémy Planchon fonde Homaar avec la volonté de rendre accessibles des oeuvres créées en dialogue permanent avec les artistes. Chaque pièce, numérotée et signée, se porte comme un vêtement, s’accroche sur un mur ou s’intègre dans l’intimité de tout un chacun.

www.homaar.com

30 rue d’Enghien
75010 Paris
Karine Arabian : 0607235794
Franck Blais : 0673703667
welcome@jnmellorclub.com

BIJOUX D’INTERIEUR

Les créations du JN.Mellor Club s’épanouissent depuis toujours aux frontières de la Mode, du Design et la poésie du quotidien.
JN.Mellor Club poursuit la création d’objets en devenir, d’objets non figés dont l’usage évolue au gré des rencontres et des échanges.
Pour cette deuxième participation à Bienvenue Design à l’Hotel La louisiane, JN.MC présente une sélection d’objets en mutation ou l’hybridation des pratiques brouille les codes du Luxe.
Le cuir le plus fin côtoie le grès, le marbre ou le métal pour en faire de véritables bijoux d’intérieur.

JN.MELLOR CLUB est une marque d'objets et d'accessoires de luxe, évoluant aux frontières de la mode, au croisement du design, de l'art, de la poésie du quotidien, portée par la vision de son duo créatif : Karine Arabian & Franck Blais.
Ils sont les Lauréats 2021 du Grand Prix de la Ville de Paris en Mode/Accessoires.

www.jnmellorclub.com

Julie Lansom fait des lampes avec ses mains.

Photographe depuis des années et créatrice d'objets de décoration artisanale depuis 2013, cette artiste polyvalente balade ses envies entre son appareil et son atelier.

Installée à Paris mais née dans le sud il y a un peu plus de 25 ans, Julie garde un amour immodéré de la nature, qui se retrouve dans son esthétique. L'importance des couleurs, la passion des matières, l'authenticité de la démarche et un soupçon de nostalgie.

Chacune de ses lampes cristallise sa sensibilité, son sens des formes et des couleurs. Un condensé de son univers.

De la découpe au tissage, en passant par le montage, tout dans ces luminaires est fait en France de manière artisanale.

Chaque lampe est un modèle unique, une pièce d'art, fruit du travail minutieux et passionné de la créatrice.

La structure est en bois peint ou en métal et les fils en coton mercerisé français.
La créatrice travaille sur commande. Il est possible de choisir :

- sa structure (parmi les modèles proposés)
- la couleur de la structure
- la gamme de couleur du tissage.

Le champ des possibles est infini et les prix dépendent de la formule choisie.

Le minimum de commande wholesale est de 3 pièces.
Envois partout dans le monde.

JulieLansom

Présentation de l’ensemble d’objets chauffants Vingt-quatre conçus par le duo Marie Piplard et Kelly Eng, jeunes designers françaises DONT LES REALISATIONS SONT DIFFUSÉES par It’s Great Design. Les objets se présentent sous forme d’une mise en scène (ex. photo ci-dessous) et ils sont vendus dans un joli packaging. Il s’agit de la diffusion d’un produit inédit et original.

Ce sont des points de chaleur à poser sur une table (leur corps en grès émaillé se remplit d’eau chaude et conserve la chaleur), des chauffe-mains d’un seul ou de plusieurs. Ces objets ont été présentés pour la première fois au printemps 2022 à la Bocca della Verità Gallery à Bruxelles.

EMMANUEL FOYATIER, CRÉATEUR D'ART DE VIVRE GRAPHIQUE

A partir de 1896, Mr Martin Morel, puis ses fils, ont accompagné et créé les tendances mode du XXe siècle, dans l’usine familiale d’ennoblissement textile, dans la région de Lyon, en imaginant des collections de tissus
imprimés.

Aujourd’hui, sous l’impulsion d’Emmanuel Foyatier, sixième génération de la famille, les archives textiles de l’entreprise se réveillent avec audace, avec pour ambition de créer un véritable Art de Vivre graphique et
onirique. Le motif devient une passerelle entre un temps révolu et le présent.
Le voyage peut commencer...

https://maisonmartinmorel.com/en/

La Manufacture de Couleuvre (Allier), du nom du village au cœur du Bourbonnais dans lequel est produite sa porcelaine, a été fondée en 1789 par le Marquis de Lévis, André de Sinéty. La manufacture se distingue par son savoir-faire unique de porcelaine en relief et de couleur teintée dans la masse transmis au fil des siècles.

La Manufacture de Couleuvre signe des objets d’exception, porteurs d’un art de vivre raffiné alliant un patrimoine séculaire à un design contemporain.

La Manufacture de Couleuvre est heureuse de présenter en avant-première ses nouvelles collections, des pièces exclusives faisant appel aux plus grands artisans d'art ou encore des rééditions d'après des modèles emblématiques des années 1930.

A cela s'ajoute une collection intemporelle d'arts de la table, teintée dans la masse qui souligne le travail de coloriste de la manufacture.

https://www.manufacturedecouleuvre.com/

Mobilier d'architecte, Design XXè
Paul Bert/ Serpette
Stand 87 Allée 6
+33 6 81 06 33 51

Maison Verrsen réinterprète la célèbre Factory d'Andy Warhol, pour la nouvelle édition de
Bienvenue Art à l'hôtel La Louisiane.
Rendez-vous Chambre 15.

"In the future, everyone will be world-famous for 15 minutes."
Andy Warhol.

http://verrsen.com/

Retour à la terre

De terre natale À terre d’expression, un jour l’équation coulera de source pour le céramiste Maxence de Bagneux. Un cercle vertueux qui d’évidence interroge le créateur à l’heure des choix. Depuis des siècles et encore aujourd’hui, le domaine familial a une vocation agricole. Plusieurs générations en ont fait leur port d’attache et leur histoire. Pourquoi ne pas réinvestir à sa façon son lopin de terre, prendre la clef des champs et puiser l’énergie à la source. Transformer la terre autrement, lui qui en a fait son terrain de prédilection. Derrière lui, il y a les nombreux voyages en Asie, en Inde, à Berlin, des années de recherches à la quête d’un trait, du geste, des savoir-faire, peaufinés par un diplôme à l’école Camondo. Viendra l’envie de passer au volume sculpté, portée par une formation au Pôle céramique Normandie. Le pas est presque fait et le retour aux sources engagé. La passion de la terre s’imposant, il projette ici dans ce vaste domaine, des pièces grandeur nature et monumentales. Il jette l’ancre dans la propriété familiale, une ferme en brique du XIXe et campe son atelier dans un bâtiment à sa dimension. La terre brune de Noron, en Normandie, mais aussi la terre rouge à brique qu’il trouve sur son terrain, deviennent matières à inspiration. Des formes émergent, mélodies abstraites, qui semblent jouer de correspondances avec les lignes végétales du parc. Des formes aux variations modernistes, aux contours de velours, comme cette collection de têtes lisses façonnées de grés noir ou blanc chamotte . Des profils mystérieux, ourlés d’un mat profond, comme une invitation à la caresse, où l'œil, la bouche, absentes sur ces figures abstraites semblent poindre dans la matière pour échapper au regard aussitôt. Moins introspective, une autre séquence d’importance dans son champ de création sont les silhouettes architecturées de la série des totems. Celles-ci revendiquent une forme purement décorative. Née sous le label « mudmud studio », ces pièces s’assemblent et s'empilent dans un jeu de construction associant le bois, la céramique aux nouvelles technologies. Soutenu par la création de l'application mudmud AR-studio, le projet participatif, invite à fabriquer et personnaliser la pièce de son choix mais surtout permet de la projeter en situation et en temps réel dans son environnement, à partir de son écran. Une initiative qui rappelle les convictions de Maxence de Bagneux à vouloir ouvrir les champs, mixer les techniques et les styles. Le même élan qui le pousse à faire de sa campagne à de deux pas de Paris un nouvel espace d’exploration, ou l’art et la ruralité agricole pourraient s’allier en beauté.

Texte Caroline Clavier (pour le magazine Côté Paris)

36 Boulevard de la Bastille, 75012 Paris
+33 (0)6 18 07 79 05 / +33 (0)9 75 49 46 76.

Installé à Paris, Paf est un atelier de conception d’architecture et de scénographie.
Animé par l’expérimentation, la recherche en architecture et l’art, Christopher Dessus, Architecte DE, scénographe, commissaire d’exposition et directeur de l’association Pli (Éditions et Workshop) crée l’atelier en 2017. Ce dernier permet de remettre en question les conditions de la pratique de l’architecture, de la création à la production. Chaque projet signé par l’atelier est une recherche mesurée entre savoir et savoir–faire, réfexion et création, où l’ensemble de la conception et de la production ne peuvent être envisagés de manière dissociée.

@paf_atelier

www.pafatelier.com

Marché Paul Bert, stand 91, allée 6, 110 rue des Rosiers, 93400 St-Ouen
@remixgallerydesign
Valérie Bouvier: 06 63 78 06 93 – Antoine Nouvet : 06 84 97 33 64

REMIX Gallery – 80s french design gallery
Il y a 8 ans, Valérie et Antoine, les fondateurs de Remix Gallery, ont consacré leurs recherches à la production des années 80 de Philippe Starck. Œuvre confidentielle, un peu oubliée, ils ont années après années, défendu et renouvelé la vision de l’œuvre de ce designer français aussi prolifique que mythique. Remix Gallery a été la première galerie en France à mettre en lumière le design des années 80 de manière radicale. Philippe Starck, Jean-Michel Wilmotte ou André Putman font partie des designers français les plus célèbres qu'ils exposent actuellement dans leur galerie. Ces dernières années, ils ont organisé des expositions monographiques sur le travail de Philippe Starck, Christian Duc et Claude Dumas. L'hiver dernier, ils ont été invités pendant 2 mois au Bon Marché.

LE PROJET A LA LOUISIANE : STARCKOMANIE

En 1996, la maison d’édition Taschen publie, comme un album souvenir, un livre sur le travail de Philippe Starck depuis ses débuts. La couverture est une photographie du designer torse nu, recouvert de tatouages dessinés au trait noir. Moitié taulard repenti, moitié gamin espiègle, Philippe Starck, une larme tatouée au coin de l’œil, arbore fièrement ses productions. Car si le tatouage est un moyen de s’affirmer, il est avant tout un récit de soi. Une autobiographie corporelle à travers laquelle on raconte son histoire, ses amours, ses déceptions, sa vie... Dans les années 80, Malabar réinvente la décalcomanie et va créer ainsi une génération de gamins les avant-bras tatoués d’images.

Pour son projet à la Louisiane, Remix Gallery installe un salon de décalcomanies -tatouages éphémères- dans une des chambres de l’hôtel.

Meublée avec les pièces les plus iconiques de Philippe Starck de cette décennie, Valérie et Antoine vous proposent de vous tatouer ou plutôt de vous décalquer ces mêmes meubles sur le corps. Un polaroïd sera pris à chaque fois et accroché au mur afin de réaliser une série de portraits des tatoués. Mais attention, ça ne sera pas pour perpète !

www.remixgallery.fr

Asobi design studio
Tokio.
Tokio@TokioTokio.com

Pour la première fois, Tokio participe au salon Bienvenue Design

Tokio sera présent au salon Bienvenue Design à Paris en septembre 2022. La marque Tokio s'est encore enrichie l'année dernière de deux nouvelles lignes de produits, et est maintenant prête à exposer l'une d'entre elles à Paris.
Notre pièce est la table Totem - une sculpture lumineuse. C'est aussi la plus avancée sur le plan technique. Totem n'est pas seulement une pièce à part entière, c'est aussi une source de lumière magnifique qui peut être réglée de 2700 à 4000 Kelvins. Grâce à une télécommande, vous pouvez vous asseoir dans votre canapé et décider de la température et de la puissance de la lumière provenant de votre lampe de table Totem.

Tokio présentera quelques pièces pour marquer les nouvelles étapes et orientations de sa signature design.

"Tokio. est une marque de design contemporain qui se concentre sur des produits techniquement haut de gamme destinés à l'individu réfléchi d'aujourd'hui, avec un œil sur l'avenir." - ce sera toujours l'objectif de la marque qui ne fait aucun compromis dans le choix des matériaux et de la technologie. "Seulement le meilleur", dit M. Malačič, en ramassant une belle source d'art - la table Totem.

Asobi et Tokio avancent à grands pas pour s'imposer sur le marché mondial des designers. Après 10 ans de coopérations fructueuses avec des architectes et des designers d'intérieur, cette exposition est un nouveau tremplin vers une reconnaissance mondiale.

https://www.tokiotokio.com/

Joy Sorman écrit :

« Il existe un tableau de Klee qui s'intitule Angelus novus. Il représente un ange qui semble avoir dessein de s'éloigner de ce à quoi son regard semble rivé. Ses yeux sont écarquillés, sa bouche ouverte, ses ailes déployées. Tel est l'aspect que doit avoir nécessairement l'ange de l'histoire. Il a le visage tourné vers le passé. Où paraît devant nous une suite d'événements, il ne voit qu'une seule et unique catastrophe, qui ne cesse d'amonceler ruines sur ruines et les jette à ses pieds. Il voudrait bien s'attarder, réveiller les morts et rassembler les vaincus. Mais du paradis souffle une tempête qui s'est prise dans ses ailes, si forte que l'ange ne peut plus les refermer. Cette tempête le pousse incessamment vers l'avenir auquel il tourne le dos, cependant que jusqu'au ciel devant lui s'accumulent les ruines. Cette tempête est ce que nous appelons le progrès ».
(Walter Benjamin, Sur le concept d'histoire).

Les ailes de porcelaine de Zoé Rumeau sont celles d’un oiseau qui tel Icare aurait volé trop près du soleil et s’y serait brûlé - ses plumes noircies par le feu, qui attire, aveugle puis rejette, impitoyable, tout-puissant.
Mais ces ailes sont aussi celles d’un ange, un ange ambivalent et déchiré, obscur et lumineux - alternance de plumes sombres et immaculées -, peut-être l’ange nouveau peint par Paul Klee, tiraillé entre passé et avenir, un ange terrestre autant qu’aérien, écartelé entre la terre et le ciel, aspiré vers le haut et projeté vers le bas, victime de l’attraction magnétique et aspirant à l’ascension, un ange dialectique, inachevé et précaire - un ange humain.
Ce pourquoi ses ailes sont de porcelaine et non de plumes, pesantes, semblables à de la corne ou de l’os, matériaux denses, épais, manière de nous signifier que tout envol est menacé d’entrave. Là où l’on attendrait élan et légèreté, Zoé Rumeau introduit de la contrainte, car la grâce n’est jamais acquise, même aux oiseaux, même aux anges, elle se conquiert, s’arrache, se gagne au prix de combats contre le poids de l’histoire et du destin.
Mais cet oiseau, cet ange voleront, ils y parviendront, planant à ras du sol, comme pour ne pas perdre de vue la terre, son irrésistible matérialité, ils décolleront de leurs lourdes ailes car il s’agit toujours de s’extraire, de se hisser, de lutter contre la chute, l’assignation, dans un mouvement difficile et rageur, en proie à l’adversité, avec l’énergie du désespoir, la fatigue du temps.
La fatigue c’est aussi celle qu’incarnent ces mains de bronze s’accrochant à une échelle de fortune fichée dans le sol, ou peut-être plantée dans la mer. Ces mains de naufragés, de vagabonds, de désespérés encore plein d’espoir, cherchent à se hisser à leur tour, à connaître la même élévation que l’ange, pour s’en sortir, échapper à la pesanteur, physique autant que politique.
Ces mains jaillissent d’une mer invisible et hostile, et alors les ailes sont comme des vagues, ces vagues immenses et chahutées que forment la tempête, et alors l’océan, la terre et le ciel fusionnent dans un même mouvement, l’ange se détache, se déracine, on entend le cliquetis des plumes dans le vent, les ailes et les mains se rejoignent enfin, le monde est momentanément sauvé.

https://www.instagram.com/zoerumeau/